Segno España
La exposición Anónima del artista navarro Txuspo Poyo (Alsasua, 1963), presentada en el centro de sociedad y cultura contemporánea Azkuna Zentroa de Bilbao, propone una profunda meditación sobre las políticas…
La intervención de Luka Goyarrola en la galería Primopiano de Montesilvano (un pueblo italiano al lado de la ciudad de Pescara) con el título O. breve historia del surgimiento y…
Tanto en esta exposición en Madrid, como en el resto de su obra, las heridas a las que apunta Miquel García no son sólo físicas, sino históricas y políticas. Su trabajo suele investigar aquello que permanece enterrado, olvidado o deliberadamente invisibilizado: memorias de la violencia, mecanismos de poder, ausencias en los relatos oficiales y formas de exclusión colectiva. En lugar de proponer una reparación, la imagen del humo sugiere una operación contraria: cubrir, difuminar, dificultar la visión. La herida continúa existiendo, aunque ya no pueda verse.
La exposición sólo reúne cinco obras, Clavos de plata, Auto de fe, Lista de libros quemados en 1939 en España, Exhumación n.º 3 e Inicio para una elaboración crítica, las suficientes para crear un discurso coherente para que el público pueda acercarse a hechos tan traumáticos y definitorios de la historia reciente de España. Un discurso sutil pero que no deja dudas sobre su significado. Los clavos remiten tanto a la construcción de monumentos y relatos oficiales como a restos encontrados en exhumaciones. La pieza funciona como una reflexión sobre cómo ciertos objetos aparentemente mínimos conservan la memoria de acontecimientos traumáticos.
La exposición que podemos ver en el Reina se podría plantear como un trabajo de tesis, cuando no de una muestra enciclopédica. Ciertamente son cincuenta años no sólo de creación contemporánea sino de acontecimientos que ha ocurrido en nuestro país y que han tenido su reflejo en el trabajo de artistas, en su mayoría preocupados y preocupadas en que las creaciones culturales no sean un puro adorno, ni tan siquiera que den una lectura de su momento, sino que, en muchos casos, se interesan por hacer que esa lectura conlleve un compromiso, hacer una crítica para arrojar luz a lo que ocurría entonces, pero también en que desde el futuro (en muchos casos ese futuro es hoy) se pudiera saber que estaba ocurriendo.
En esta imagen evocada por Édouard Glissant, la travesía comienza cuando las dos orillas dejan de ser referencias estables y las coordenadas habituales se desvanecen. Ya no existe un punto de partida ni una de llegada claramente reconocibles; en su lugar emerge un espacio de relación, un territorio en movimiento donde las identidades, las memorias y los imaginarios se encuentran y se transforman mutuamente. Entre ambas orillas se despliega una geografía inédita que no pertenece por completo a ninguna de ellas, pero que las conecta y las redefine.
Nacida en Londres y criada en Nueva York, Rita Rutkowski se formó en esta última ciudad, en la Cooper Union, y donde obtuvo becas importantes becas, como la del MoMA (1949) o la Fulbright (1950). Viajó por Italia y otros lugares de Europa, hasta que llegó a España y, a partir de 1961 se instaló en Córdoba.
Su trabajo, del que la exposición reúne casi centenar y medio de obras, desde las que inicia en Nueva York y culmina a su llegada a Córdoba, hasta las obras realizadas en los últimos años. Más de medio cincuenta años, a caballo entre dos siglos y dos contextos, el español y el estadounidense. La selección incluye fundamentalmente pintura, pero también podemos ver dibujos y bocetos, que nos ayudan a ver su trabajo de forma más directa, desde los inicios y el desarrollo desde las primeras ideas. Algunas no han sido expuestas nunca, otras llevan tiempo sin mostrarse y el resto constituye el legado esencial de su obra.
La cuarta colaboración individual de Jesús Zurita con la galería canaria establecida en la concurrida calle capitalina Dr. Fourquet, esta “Vez”, la primera del artista en su nueva sede madrileña; es un cierre de ciclo, o quizás el punto donde el dibujo de una espiral se toca para trazar otro giro.
Desde siempre su trabajo (el del artista) se ha desarrollado en los límites de una narrativa que coquetea con lo poético, porque se torna misteriosa. En cambio, Zurita es un autor, que ahora se torna diáfano, se aclara; tal vez, resultado de un proceso de reconciliación interna con lo que durante décadas se ha desplegado como los recursos de su idiomática, su propia lengua. Manifestada como momento de madurez, tras años de observación, en esta obra que estos meses primaverales exhibirá Jesús en Artizar, hallo resueltas las paradojas iniciales de su obra temprana, donde dibujo perfeccionista y el plano pictórico competían en una discusión silenciada, contenida, así como la convivencia del lino crudo con los fondos blancos invadidos de un rojo atmosférico, donde la materialidad del soporte tomó cierto protagonismo determinante, extinta en estas últimas piezas. Aquí la dualidad, antes escindible, está resuelta unitivamente. He aquí, un todo.
Al menos el azar y la ficción, ya sea literaria o audiovisual, han demostrado que todo accidente que vincule un nexo personal, por muy mínimo que sea, puede llegar a ser vinculante. Cualquier roce, puede terminar en fricción, y cualquier fricción puede degenerar en herida, cicatriz y rencor. O diametralmente opuesto, justo lo contrario, cualquier encuentro azaroso puede terminar en amor o amistad, ese vínculo del que tanto dependemos para vivir como seres sociales, comunitarios y gregarios.
El vínculo, nos une y nos separa. Sobre cómo se entretejen esos vínculos, varias ciencias humanísticas se han especializado, la psicología, la sociología, la antropología y parte de la filosofía, se han detenido en estudiar cómo trazamos ese tapiz que nos estructura internamente y -a la vez- nos cubre y protege de la voraz superficie.
Dicho esto, quisiera detenerme un instante en tratar de aclarar un malentendido, que no me toca, pero el cual puede que, con cierta ligereza, sí me roza de soslayo.
Hace cosa de unas semanas en el campo artístico español se destapó una crisis por comentarios y trifulcas virtuales entre dos activos agentes de nuestra comunidad, hablo de la polémica entre Fernando Castro Florez y Fer Francés, el comisario, crítico y profesor universitario de larga trayectoria, de más de tres décadas y el joven galerista director de la galería madrileña Veta, localizada en el barrio de Carabanchel. En dicha polémica, iniciada por la mecha de un comentario desproporcionado del galerista sobre cómo toda la crítica esta pagada, y por ende, está vendida al mejor postor; levantó las ronchas de todos los colegas que se sintieron aludidos, especialmente porque el galerista hizo referencia directa a un prestigioso periódico nacional, el ABC. Entre cuyas filas se encuentran autores del nivel de Javier Díaz Guardiola, Carlos Mayordomo, Miguel Cereceda, Marisol Salanova, Fernando Gómez de La Cuesta, Nerea Ubieto, Adonay Bermudez o el propio Fernando Castro. Y los comentarios fueron desafortunados por parte del galerista, porque achacaba la falta de crítica y promoción y visibilidad de su proyecto galerístico, porque no jugaba al juego de pagar a esa crítica por su atención.
Como siempre, visitar la sede de la Casa Árabe en Córdoba es un tremendo placer para los sentidos y desde luego para la inteligencia y el sentido crítico. Entrar por la puerta y pasear por patios y galerías es una experiencia que se puede disfrutar en pocos lugares. Pero, además, las propuestas expositivas son siempre acontecimientos que te permiten pensar y ejercitar ese sentido crítico y el compromiso social/político. Independientemente de que las museografías están siempre muy cuidadas.
La exposición colectiva Del álif a la zain nos habla en un primer plano de la creatividad y la evolución de la lengua árabe, también en la actualidad, en Oriente Medio y en el norte de África, así como en el ámbito internacional y, lógicamente, con Córdoba, con su pasado y su presente. Desde el punto de vista más artístico, más creativo, los artistas participantes hablan de la noción polifacética de la “arabidad”, son voces que reflejan la diversidad y las perspectivas que configuran la expresión árabe y el legado de su escritura. En la exposición la lengua no establece sólo como un vínculo con el patrimonio, es también una herramienta de creación, de transmisión y resistencia, especialmente de resistencia en un mundo marcado por complejas tensiones geopolíticas… y mucho más en el momento en que nos encontramos.
Sobre el eje de la memoria histórica y democrática, que busca poner en claro todo lo ocurrido durante la Dictadura en España, el colectivo valenciano arroja luz en Las Palmas sobre dos grupos de personas en concreto: las mujeres y quienes formaron parte del hoy conocido como colectivo LGBT, especialmente hombres gays y mujeres trans. En el primer caso con lo ocurrido durante décadas en el Patronato de Protección de la Mujer y en el segundo en la Colonia (campo de concentración) Agrícola de Tefía, en Fuerteventura.
Como es habitual en el trabajo de Gema y Mónica del Rey, hay tres marcos fundamentales sobre los que ellas ponen el punto de mira: las huellas invisibles de la represión (trauma, silencios familiares, desapariciones, humillaciones), la transmisión generacional del dolor (cómo ciertas violencias siguen operando hoy en lo cotidiano) y su interés por dar voz a quienes no la tuvieron (las víctimas que nunca pudieron contar su historia).
Por más que hayan pasado años hay heridas que no se han podido sanar, cicatrices que no han recibido el bálsamo de la petición oficial de perdón y de la reparación.
