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Arte contemporáneo: 1975-presente

La exposición que podemos ver en el Reina se podría plantear como un trabajo de tesis, cuando no de una muestra enciclopédica. Ciertamente son cincuenta años no sólo de creación contemporánea sino de acontecimientos que ha ocurrido en nuestro país y que han tenido su reflejo en el trabajo de artistas, en su mayoría preocupados y preocupadas en que las creaciones culturales no sean un puro adorno, ni tan siquiera que den una lectura de su momento, sino que, en muchos casos, se interesan por hacer que esa lectura conlleve un compromiso, hacer una crítica para arrojar luz a lo que ocurría entonces, pero también en que desde el futuro (en muchos casos ese futuro es hoy) se pudiera saber que estaba ocurriendo.

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Entrevista a Nekane Aramburu, premio GAC de comisariado por Le Cerclelumineux.

J-RB ¿Qué significa comisariar para alguien con tu trayectoria específica?

NA En el discurso de entrega del premio me refería claramente a esa contradicción de la terminología “Comisariar”, que es una palabra que alude a un posicionamiento patriarcal dominante que no tiene nada que ver con mi vínculo con esta función. Prefiero la denominación de “Curadoría”. Ahí me remito a una línea más de acompañamiento donde los cuidados tienen un componente de voluntad sanadora (sea humana, política o social). Por otro lado, los “curadores de la curadoría” abordamos un tipo de relación con los artistas que son de largo plazo. La exposición no es el fin, es el medio.

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“Donde cantan los pelícanos” de Carlos Nicanor: navegar el no-mundo

En esta imagen evocada por Édouard Glissant, la travesía comienza cuando las dos orillas dejan de ser referencias estables y las coordenadas habituales se desvanecen. Ya no existe un punto de partida ni una de llegada claramente reconocibles; en su lugar emerge un espacio de relación, un territorio en movimiento donde las identidades, las memorias y los imaginarios se encuentran y se transforman mutuamente. Entre ambas orillas se despliega una geografía inédita que no pertenece por completo a ninguna de ellas, pero que las conecta y las redefine.

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Marcos Augusto irrumpe en la narrativa contemporánea con ‘Te hice dios’

El debut literario de Marcos Augusto no busca la complacencia del lector, sino arrastrarlo hacia los márgenes de la pulsión más cruda. Con Te hice dios, el autor firma una novela que se sumerge sin concesiones en un universo de impulsos radicales, donde el deseo carnal y la pulsión de muerte se entrelazan de forma indisoluble. Lejos de la corrección política que a menudo anestesia la ficción actual, esta obra se presenta como un artefacto literario valiente, capaz de transitar las sombras de la intimidad contemporánea a través de una prosa que hereda el aura y el ritmo de su faceta poética.

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Claudia Pagès Rabal en Venecia 2026: Filigranas de luz, control fronterizo y la desaparición del papel

En Paper Tears, Claudia Pagès Rabal nos sitúa ante una paradoja visual: una obra que reflexiona sobre el papel, pero que prescinde de su presencia física para habitar la luz. Presentada en los Eventi Collaterali de la 61ª Bienal de Venecia (2026), y con la intervención de Elise Lammer como comisaria, esta instalación inmersiva utiliza tecnología láser, una pantalla LED de carácter escultórico y una banda sonora envolvente. Su tesis central se sumerge en la historia de las filigranas del siglo XV, transformando la marca de agua —esa señal de identidad y propiedad— en una metáfora de los sistemas de control fronterizo y los conflictos geopolíticos actuales. Es presentado por El Institut Ramon Llull en los talleres navales Cantieri Cucchini en San Pietro di Castello.

Al analizar pormenorizadamente el espacio, observamos que la materialidad táctil ha sido sustituida por la energía lumínica. No hay rastro de rollos de papel ni dibujos caligráficos manuales; en su lugar, proyecciones láser dibujan sobre las paredes del recinto las filigranas históricas conservadas en el Museu Molí Paperer de Capellades. Estas formas, que originalmente garantizaban el origen y calidad de una mercancía, se despliegan ahora como presencias fantasmales que diseccionan el aire.

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Itziar Okariz en Venecia 2026: El grito como escultura sonora y la desarticulación del signo

En el marco del programa conmemorativo I Baschi alla Biennale 1976/2026, el Palazzo Contarini della Porta di Ferro acoge la revisitación de Irrintzi Repetición, una de las piezas más determinantes de Itziar Okariz. Esta performance sonora, que ya marcó un hito en 2019, utiliza el grito ancestral vasco no como un ejercicio de folklore, sino como auténtica materia plástica. La tesis que articula esta propuesta es la desarticulación del signo: a través de una repetición extenuante, Okariz vacía al grito de su carga antropológica y social para transformarlo en una estructura física pura. Es, en esencia, un cuestionamiento radical de los límites del lenguaje y de la construcción de la identidad.

En esta pieza, el soporte es el propio cuerpo y el material de trabajo es el aire vibrante. Okariz descompone el irrintzi —un sonido históricamente ligado a la comunicación en valles y montañas— en sus unidades mínimas. La ejecución destaca por una sobriedad absoluta; la artista se sitúa en el espacio sin más apoyo que su capacidad pulmonar. Si habláramos en términos pictóricos, diríamos que la «pincelada» aquí no es de pigmento, sino de frecuencia y eco.

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Cárnico y Carnal

La cuarta colaboración individual de Jesús Zurita con la galería canaria establecida en la concurrida calle capitalina Dr. Fourquet, esta “Vez”, la primera del artista en su nueva sede madrileña; es un cierre de ciclo, o quizás el punto donde el dibujo de una espiral se toca para trazar otro giro.

Desde siempre su trabajo (el del artista) se ha desarrollado en los límites de una narrativa que coquetea con lo poético, porque se torna misteriosa. En cambio, Zurita es un autor, que ahora se torna diáfano, se aclara; tal vez, resultado de un proceso de reconciliación interna con lo que durante décadas se ha desplegado como los recursos de su idiomática, su propia lengua. Manifestada como momento de madurez, tras años de observación, en esta obra que estos meses primaverales exhibirá Jesús en Artizar, hallo resueltas las paradojas iniciales de su obra temprana, donde dibujo perfeccionista y el plano pictórico competían en una discusión silenciada, contenida, así como la convivencia del lino crudo con los fondos blancos invadidos de un rojo atmosférico, donde la materialidad del soporte tomó cierto protagonismo determinante, extinta en estas últimas piezas. Aquí la dualidad, antes escindible, está resuelta unitivamente. He aquí, un todo.

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TODA RELACIÓN ES VINCULANTE

Al menos el azar y la ficción, ya sea literaria o audiovisual, han demostrado que todo accidente que vincule un nexo personal, por muy mínimo que sea, puede llegar a ser vinculante. Cualquier roce, puede terminar en fricción, y cualquier fricción puede degenerar en herida, cicatriz y rencor. O diametralmente opuesto, justo lo contrario, cualquier encuentro azaroso puede terminar en amor o amistad, ese vínculo del que tanto dependemos para vivir como seres sociales, comunitarios y gregarios.

El vínculo, nos une y nos separa. Sobre cómo se entretejen esos vínculos, varias ciencias humanísticas se han especializado, la psicología, la sociología, la antropología y parte de la filosofía, se han detenido en estudiar cómo trazamos ese tapiz que nos estructura internamente y -a la vez- nos cubre y protege de la voraz superficie.

Dicho esto, quisiera detenerme un instante en tratar de aclarar un malentendido, que no me toca, pero el cual puede que, con cierta ligereza, sí me roza de soslayo.

Hace cosa de unas semanas en el campo artístico español se destapó una crisis por comentarios y trifulcas virtuales entre dos activos agentes de nuestra comunidad, hablo de la polémica entre Fernando Castro Florez y Fer Francés, el comisario, crítico y profesor universitario de larga trayectoria, de más de tres décadas y el joven galerista director de la galería madrileña Veta, localizada en el barrio de Carabanchel. En dicha polémica, iniciada por la mecha de un comentario desproporcionado del galerista sobre cómo toda la crítica esta pagada, y por ende, está vendida al mejor postor; levantó las ronchas de todos los colegas que se sintieron aludidos, especialmente porque el galerista hizo referencia directa a un prestigioso periódico nacional, el ABC. Entre cuyas filas se encuentran autores del nivel de Javier Díaz Guardiola, Carlos Mayordomo, Miguel Cereceda, Marisol Salanova, Fernando Gómez de La Cuesta, Nerea Ubieto, Adonay Bermudez o el propio Fernando Castro. Y los comentarios fueron desafortunados por parte del galerista, porque achacaba la falta de crítica y promoción y visibilidad de su proyecto galerístico, porque no jugaba al juego de pagar a esa crítica por su atención.

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Memorias colectivas / Represiones cotidianas

Sobre el eje de la memoria histórica y democrática, que busca poner en claro todo lo ocurrido durante la Dictadura en España, el colectivo valenciano arroja luz en Las Palmas sobre dos grupos de personas en concreto: las mujeres y quienes formaron parte del hoy conocido como colectivo LGBT, especialmente hombres gays y mujeres trans. En el primer caso con lo ocurrido durante décadas en el Patronato de Protección de la Mujer y en el segundo en la Colonia (campo de concentración) Agrícola de Tefía, en Fuerteventura.

Como es habitual en el trabajo de Gema y Mónica del Rey, hay tres marcos fundamentales sobre los que ellas ponen el punto de mira: las huellas invisibles de la represión (trauma, silencios familiares, desapariciones, humillaciones), la transmisión generacional del dolor (cómo ciertas violencias siguen operando hoy en lo cotidiano) y su interés por dar voz a quienes no la tuvieron (las víctimas que nunca pudieron contar su historia).

Por más que hayan pasado años hay heridas que no se han podido sanar, cicatrices que no han recibido el bálsamo de la petición oficial de perdón y de la reparación.

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